jueves, 30 de junio de 2016

"Nuestro iceberg se derrite": representación pública

Dejo en esta entrada el vídeo de la representación pública del proyecto "Nuestro iceberg se derrite", que se desarrolló en el salón de actos del CPM Francisco Guerrero el 9 de junio. Participaron en esta actividad escénica todos mis alumnos de piano del presente curso académico. Como ya comenté en otro post de este mismo blog, hemos abordado un proyecto de creatividad musical incorporando una historia de valores que han escenificado los mismos alumnos.

En la entrada Proyecto de piano: el iceberg se derrite desarrollábamos el proyecto y los objetivos propuestos. La representación pública requirió de un gran esfuerzo de todos los participantes y de una gran responsabilidad en la asunción de los roles asignados.

  • Elaboración de murales.
  • Ensayo de la representación.
  • Seguimiento del guión elaborado, respondiendo a las tareas de coordinación.
  • Todas las piezas interpretadas han sido fruto de la creatividad musical de los propios alumnos, elaboradas a partir de pautas y planteamientos trabajados en el aula.

Como docente ha sido una experiencia altamente gratificante en la que los alumnos han logrado resultados muy positivos al mismo tiempo que han disfrutado de una experiencia escénica enriquecedora y creativa. No obstante, evaluaremos el proyecto con la intención de mejorar algunos aspectos.

Quisiera agradecer a nuestro compañero Emilio Damián Guerrero su colaboración en la grabación y edición del presente vídeo.

viernes, 27 de mayo de 2016

Aulas abiertas: compartiendo experiencias de diversidad

Dejo a continuación las aportaciones realizadas por los diferentes componentes del grupo de trabajo "Aulas abiertas: compartiendo experiencias de diversidad". Este grupo de trabajo adscrito al CEP de Sevilla inició su proyecto de investigación en noviembre y, al margen de otras aportaciones en torno a la educación inclusiva así como grabaciones de experiencias de aula, ofrece a la comunidad educativa los resultados que seguidamente enlazamos. Hemos contado siempre con la inestimable colaboración de nuestra asesora Victoria Querejeta.

Albert Sunyer Pelegrí

Atendiendo a la diversidad en las clases de instrumento

El pensamiento divergente en el aula de conservatorio

¿Tenemos el currículo desfasado?

Antonio Calero Valverde

Proyecto: "Marta puede tocar la guitarra" (parte 1)

Proyecto: "Marta puede tocar la guitarra" (parte 2)

Proyecto: "Marta puede tocar la guitarra" (parte 3)

Antonio Espíldora García

Mindfulness en la actividad musical (1)

Atención a la diversidad en el aula de música: hacia un modelo de educación inclusiva

Proyecto de piano: el iceberg se derrite

Jorge Belda Mora

Crear “Partituras en línea” para la clase de instrumento (I)

Inventar antes de improvisar

Cantar antes de tocar

José Luis Tarín Alcalá

Creatividad en enseñanzas elementales de piano

Creatividad en la interacción música / pintura

Música y danza en el conservatorio

José Ramón Molero Durante

Bajo caminante en la sección "B" del "Autumn Leaves"

Enlaces de acordes en la sección "C" de Autumn leaves

Improvisación en piano complementario

Juan Carlos Lax Santa

Cifrado americano (II)

La clave en el piano latino

Conceptos básicos para la iniciación a la improvisación

Mercedes Lucas Martínez

Ritmo-rap: Una forma de aprender ritmo de forma distinta en clase de lenguaje musical

Los intervalos y su práctica educativa musical dentro y fuera de clase (Parte 1)

Los intervalos y su práctica educativa musical dentro y fuera de clase (Parte 2)

jueves, 26 de mayo de 2016

Improvisación en piano complementario

Resumen

La escala pentatónica es una de las mejores herramientas para introducirnos en la improvisación. En esta famosa nana incluida como ejercicio en el libro de piano complementario (nivel I) de Emilio Molina desarrollamos un acompañamiento totalmente improvisado basándonos en la escala pentatónica. Como podemos observar, el resultado está lleno de colorido, texturas y acompañamientos melódicos.

Objetivos
  • Crear una improvisación a partir de la combinación de ideas y patrones rítmicos.
  • Observar si la proyección de estas ideas está en contacto con un diálogo fluido y comunicativo.
  • Aplicar acciones participativas y contribuyentes con uncrecimiento coherente y texturalmente bello.

Dejamos a continuación un ejemplo práctico trabajado por diferentes instrumentos en una clase de piano complementario.

https://drive.google.com/open?id=0B1n9wF7ew9QUUmk3SjhqVGlVTUk

José Ramón Molero Durante

miércoles, 25 de mayo de 2016

Proyecto: "Marta puede tocar la guitarra" (Tercera Parte)

Resumen

Tercera entrega en la que se llega a describir hasta el momento actual, los últimos avances y trabajos que hemos hecho con Marta. También se describen los próximos objetivos para el curso que viene.

Objetivos

Continuar con el proceso educativo de Marta, ya expresado en las anteriores entregas.

Cuerpo

En esta tercera y última entrega del proyecto, y después de todo lo expuesto en las dos entregas anteriores, pretendo exponer lo siguiente:

Marta continua permanente su trabajo semanal conmigo en sesiones lectivas de dos horas y aunque durante el último mes han sido suspendidas las clases debido a una operación de rodilla izquierda a la que me he tenido que someter, precisamente mañana 24 de mayo reanudamos las clases.

El pasado mes de abril me desplace a la ciudad gaditana de Sanlúcar de Barrameda, invitado por el equipo directivo de dicha localidad para dar una conferencia dentro de las Octavas Jornadas de Guitarra que organiza el departamento correspondiente. El título de la conferencia fue "Cómo conseguir los mejores resultados en el aprendizaje de los Estudios de Música en general y de Guitarra en particular. Atención a la Diversidad.". Esta conferencia se llevo a cabo en el incomparable marco del Palacio de Medina Sidonia.

Pues bien, allí expuse mi ponencia dedicando la última parte de la misma justamente a hablar de la educación inclusiva y en definitiva hablé del grupo de trabajo que aquí en nuestro conservatorio esta constituido, para finalizar hablando de mi Proyecto "Marta puede tocar la Guitarra" donde finalmente la propia Marta Sánchez del Villar salió al escenario e interpreto dos estudios de Daniel Fortea.

Es digno señalar que Marta hizo su actuación con gran dignidad y dominio técnico de las piezas que tocó. Todo ello al final causó un profundo efecto de aprobación y admiración en el público asistente el cual y al final del acto, se acercaban a ella para felicitarla y animarla a continuar por el camino emprendido. Todo esto sucedió el día 15 de abril de 2016.

En lo que queda de curso tengo previsto seguir dándole las clases semanales a Marta con lo que redondeará su aprendizaje y evolución positiva algo más aun. El próximo día 2 de junio a las 20:30 horas haré la Audición Final de mis alumnos de este curso 2015/2016. Dentro de ese marco de presentación de trabajos, espero incluir nuevamente la presentación de Marta en dicho acto público, seguro que haciendo gala de nuevo del entusiasmo que Marta pone siempre que le propongo tocar en público.

Para el curso que viene, confío y espero que este hermoso proyecto que tiene ya tres años de duración pueda continuar desarrollándose con toda normalidad. Entre los nuevos objetivos a conseguir, esta el de ampliar el repertorio de obras que Marta va tocando. Por supuesto seguir perfeccionando los distintos aspectos técnicos que tiene la técnica de la guitarra (ligados, arpegios, escalas, etc.). También como es lógico mejorar la producción y emisión del sonido.

En el apartado de lenguaje musical-solfeo continuar con todos los frentes abiertos, es decir, teoría, reconocimiento de notas, lectura rítmica con o sin guitarra, etc. Tengo previsto ciertos ejercicios sencillos de entonación, para ver si Marta puede ir controlando la producción ciertas melodías cantadas. No obstante, he de reconocer que aquí Marta tiene grandes limitaciones.

Por último, decir que tengo previsto dar a conocer los progresos que Marta, una chica síndrome de down, es capaz de conseguir poniendo como ella sabe hacerlo muchas dosis de ilusión, trabajo duro y constante, y confianza en este caso en su profesor Antonio Calero.

P.D.: Quiero aprovechar la oportunidad para resaltar el apoyo y ayuda inestimable de toda la familia de Marta y en especial de su padre D. Gregorio Sánchez del Villar.

https://www.youtube.com/watch?v=-69sENERUwY

https://www.youtube.com/watch?v=vCo2AQ11e-U

https://www.youtube.com/watch?v=BQOscmLFMLc


PROFESOR RESPONSABLE DE ESTE PROYECTO:

ANTONIO CALERO VALVERDE







SEVILLA, VIERNES 30 DE MARZO DE 2016

Música y danza en el conservatorio

Resumen

En el presente trabajo estudiaremos los recursos pedagógicos necesarios para seguir fomentando la creatividad en los alumnos, esta vez a través de la música y la danza. Utilizaremos los medios y recursos planteados en las dos anteriores exposiciones , la improvisación , los conocimientos básicos musicales tales como; los conceptos elementales armónicos , las células rítmicas básicas, patrones rítmicos propios de nuestra cultura musical andaluza ( palos flamencos por ejemplo ) así como el prolijo patrimonio musical de otros países. La variedad musical que estas culturas nos proporcionan es vastísima, exquisitamente rica y digna de estudio; aunque debido a las proporciones que tiene la literatura musical que nos ocupa es imposible abarcar todo el espectro musical propuesto. Debemos sintetizar los elementos básicos musicales que podamos extraer de la música de estos países ,para proporcionar al alumno la cantidad de conocimientos y recursos musicales básicos para afrontar la composición musical del presente trabajo.

Objetivos
  • Desarrollar la creatividad en el alumno.
  • Adquisición de conceptos básicos musicales.
    • Ritmos binario y ternario
    • Legato y stacccato
    • Forte y piano
    • Escalas y arpegios
    • Intervalos de 3ª, 5ª, 8ª, etc…
    • Desarrollo de la expresividad de las emociones a través de la música y de la danza.
    • Reconocimiento de las tres funciones básicas armónicas: tónica, dominante y subdominante.
  • La utilización de los conceptos anteriormente citados serán aplicados junto con la improvisación a la composición musical que hemos hecho para el baile.
Investigación

Mientras en las anteriores exposiciones, “Música y literatura” y “Música y pintura”, las artes con las que relacionábamos a la música eran estáticas; en este caso , la danza es un arte que se manifiesta a través del movimiento en el tiempo y así tenemos el mejor aliado musical para caminar en esta dimensión. Sería imposible pensar una danza sin música, así como la cultura de un país sin bailes populares. Los pasos y movimientos de los bailarines ya crean un ritmo y por lo tanto también música. En la vida cotidiana de Grecia la danza era una actividad íntimamente relacionada con los ritos dionisíacos que a su vez estaban llenos de teatro con música. Sócrates concebía al cuerpo como el carácter del alma, el elemento visible de la esencia que no posee color ni forma. Mientras los filósofos atenienses definían lo bello como un cálculo de simetría y proporción numérica, él halló la belleza espiritual en los movimientos del baile que solamente son simétricos con la energía infinita del cosmos.

Según Sócrates, "la música y el baile son dos artes que 
se complementan y forman la belleza y 
la fuerza que son la base de la felicidad humana".

También Sócrates estaba convencido de que el arte era sinónimo de mimesis, es decir que la única función del artista era imitar la perfección de la naturaleza. La cultura griega se refería a la “poiesis” o la creación artística como una manifestación abierta de sentimientos y experiencias mediante sonidos, gestos y palabras. siglos después, el alemán Friedrich Nietzsche revolucionó el pensamiento filosófico concibiendo el libre albedrío como el fin fundamental de todo ser humano. El nihilismo, reconoció la danza como el movimiento del cuerpo en unión con el espíritu, el hombre que baila ejerce la auténtica voluntad de poder desafiando en cada paso las leyes de la gravedad. Bailar requiere una consciencia del ego al permitir que nuestras extremidades respondan a los impulsos dionisíacos de la vida. Bailar relaciona la mente y las pasiones, la danza es por lo tanto el arte que conduce al “superhombre” Los conceptos filosóficos de Nietzsche se inspiran en la cultura griega, que exploró la danza en comunión con lo sobrenatural y lo mítico, porque cuando el bailarín está en sincronía con su cuerpo todos sus movimientos y giros son la expresión misma de la libertad, uniendo la presencia del cuerpo con el tiempo y el espacio. En el pensamiento griego, la danza, junto con la música y la poesía, conforman la triada fundamental de expresión de la estética dionisíaca que retoma Nietzsche y se ejemplifica en el espíritu libre de Zaratustra.

Conclusiones

El juego es la principal arma de enseñanza que tiene el profesor en estos niveles y a través de él , y en este caso ayudados por la danza podremos enseñar conceptos básicos musicales al alumno , y lo más importante es que está divirtiéndose mientras aprende. Amén de adquirir una conciencia solidaria de cooperación , favoreciendo la sociabilidad y los conocimientos adquiridos con los compañeros. Envío videos de tales ejercicios realizados en clase. Al bailar con la música ,el ser humano transgrede sus límites y se transforma, deja de ser él mismo para convertirse en una obra de arte, y así consigue superarse. En la danza el cuerpo habla, se fusiona con el pensamiento en un nuevo lenguaje imposible de encasillar dentro de una corriente filosófica específica porque rebasa las palabras y es la propia esencia humana, la que se mueve gracias al poder que tiene la música de emocionar y reflejar los sentimientos humanos. Nada mas apropiado para la formación musical de un ser humano que está en pieno desarrollo físico y mental como es el alumno de 8 años que nos ocupa. En la mayoría de los casos el alumno al escuchar la música se manifiesta con movimientos acordes al ritmo que emana de ella. La Danza se puede presentar como un elemento que dinamíza la vida del hombre y la mujer de múltiples formas; entre ellas:

  • Validar y reflejar la organización social.
  • Sirve como vehículo para la expresión secular o religiosa.
  • Como diversión social o actividad de Recreación.
  • Como declaración de valores estéticos y éticos.
  • Para lograr propósitos educacionales.
  • Para poder conocer una cultura en particular.

José Luis Tarín Alcalá

martes, 24 de mayo de 2016

Los intervalos y su práctica educativa musical dentro y fuera de la clase(Parte 2)

Resumen:

Después de todas las explicaciones del estudio de intervalos dentro de clase, su sonoridad y distintas canciones cuyos intervalos se reconocen, nos centramos en la parte más interesante de la enseñanza, que es la parte práctica dentro y fuera de la clase. Todos sabemos que en la clase de lenguaje musical realizamos dictados musicales, lo que no es otra cosa que imitaciones sobre cosas que escuchamos, transcribir a papel pautado los sonidos y sus duraciones, melodía y ritmo.
En esta segunda parte nos vamos a centrar en algunas aplicaciones que los alumnos pueden instalar en sus plataformas digitales, para la mejora del reconocimiento auditivo en esta materia, en el apartado de trabajo de casa.

Profundidad:

Para comenzar voy a clasificar una lista de aplicaciones para todo tipo de pantallas comprendidas como teléfonos inteligentes Android o iOS, Tablet o iPad, Pc u Mac según la finalidad y el nivel de las aplicaciones, que por supuesto son gratuitas aunque algunas para obtener profundidad ofrecen versiones de pago.

Nivel Básico:

Aplicaciones infantiles para el juego y la práctica con colores, bonitos pianos infantiles y una presentación para las pequeñas mentes inquietas.


Otoate es una aplicación que utiliza el cifrado americano de notas musicales, identificación de sonidos de una nota, de dos melódicamente, en forma de acorde y con diferentes colores las notas y ranking comparativo con récord, etc. y puedes compartir en Facebook. Las opciones de juego con una nota son gratuitas. Lo curioso es que cuando juegas siempre parte de la nota conocida anterior y así siempre estas en  tono correcto.
Fun Ear Training es una pequeña aplicación en la que un pingüino toca el piano y debemos acertar el intervalo de las notas musicales, si es más grande o más pequeño, y te dice qué tipo de intervalo es. Puedes repetir todas las veces que quieras el sonido. La aplicación viene en inglés.
Piano Ear Trainer es una bonita aplicación donde a través del teclado de un piano se trabajan notas musicales sueltas o intervalos. Ideal para principiantes.
Perfect Ear es una aplicación con tres niveles para aprender la sonoridad de notas sueltas en cifrado americano, ideal para alumnos que están terminando el nivel elemental.


Nivel Avanzado:

Aplicaciones más complejas que desarrollan el oído a base de ejercicios sobre el cifrado americano con el nombre de notas, intervalos más complejos con reconocimiento de las notas.

Hear Me Ear Training tiene la facultad de  poder modificar el rango de notas que hay que acertar con cifrado americano y el máximo de intervalo producido hasta el infinito. También te dan una partitura y tienes que adivinar las notas que están escritas en ella. Incluye clave de fa y clave sol... Aplicación perfecta para alumnos  pianistas.
Entrenamiento auditivo desafiante parte de la idea de poder imitar y reproducir partituras sin saber leerlas. Se practica la acción de escuchar ritmo, repetirlo e identificarlo y también melodías. Tiene varios idiomas. Identificar cuando entra la guitarra apretando el rectángulo azul.
Relative- Absolute Solfee Ear es una aplicación que permite el desarrollo del oído interior practicando notas sueltas de una en una o en forma de acordes, así como también tres métodos de juego: solfeo, número y absoluto.  Tiene una interface muy compleja puesto que puedes modificar todos los parámetros musicales como extensión, tipo de acordes mayores y menores etc., pero eficaz para personas que quieran subir de nivel.
Intervals goodEar intervals- Ear Training parte de un simple piano al que podemos cambiar la octava y practicar intervalos melódicos de dos en dos notas. Podemos modificar los intervalos que podemos clasificar para ir poniendo la dificultad progresiva cuando notemos mejoría en los intervalos más básicos.
Intervalix es una aplicación muy sencilla y fácil de manejar para alumnos de nivel avanzado. Tan sólo tenemos que escuchar y señalar el tipo de intervalo que suena y podemos repetir siempre que queramos.
Ear Trainer Guru es una aplicación muy llamativa por sus colores donde se puede trabajar el cifrado americano con notas musicales e intervalos, todo ello en inglés. Tiene estadística de tanto por ciento acertado y siempre te da opciones sobre las que elegir hasta completar la sesión de intervalos.
Ear Trainer Lite es una aplicación que inserta mucho más nivel debido a que, aparte de notas e intervalos, se pueden trabajar escalas y acordes, hasta progresiones. Para mi una de las más completas aplicaciones para músicos que quieran profundizar en el conocimiento.
Ear Training Lite es una aplicación maravillosa para el estudio y práctica de las principales escalas como la lidia, dórica, etc., todo ello en inglés. Muy recomendable para los alumnos que tienen que repasar, para la prueba de acceso, las escalas y su sonoridad, y para los alumnos de jazz, que tienen que aprender para los solos su sonoridad para improvisar.
Ear Worthy Free es una aplicación para alumnos con nivel que quieran un todo en uno: notas , intervalos, acordes, todo ello con cifrado americano. Lo cual nos viene genial aprender y familiarizarnos con su nomenclatura para armonía y estudio del jazz., etc.
Right Note Lite es un aplicación de nivel medio que combina con lo mejor de las aplicaciones de colores para niños partiendo de un piano y practicando tanto notas sueltas,  como intervalos y escalas. Todo ello en inglés.
Musi Matery es una aplicación muy completa en la que se puede trabajar todo en cuanto a interválica se refiere. Escalas, acordes, arpegios e intervalos  y tiempos. todo ello con una interface exquisita en cuanto a facilidad y funcionamiento. La pena en mi opinión que no disponga de un teclado maestro.
  Easy Ear Training es una multi aplicación que enfoca la mejora de la enseñanza musical partiendo de varias actividades relacionadas con la escucha, escritura y composición.  Como un curso. Lo único que no me gusta es que hay que suscribirse.
Entrenamiento auditivo es una aplicación moderna con distinto enfoque a las demás hasta ahora. Se centra en el sonido y su propagación de forma visual.

Conclusiones:

Todo lo que pueda ayudar al estudio y comprensión de la música es bienvenido pero si además se hace con agrado, de forma lúdica y amena  tiene el doble de valor. A veces olvidamos el placer que nos produce el juego, las adivinanzas y el entretenimiento educativo y es una parte esencial en la enseñanza actual en los conservatorios. Todo lo que ayude a domar nuestro oído es bien recibido en mi clase como apoyo al trabajo que realizamos de comprensión de la teoría y entonación, como refuerzo de casa por el bien del  alumnado.

lunes, 23 de mayo de 2016

CANTAR ANTES DE TOCAR


 Resumen
Para una parte del alumnado la lectura de una partitura es un problema añadido a tocar el instrumento y además totalmente extraño porque tienen poca relación la lectura con tocar en sí. Para estos casos el profesorado busca alternativas intermedias para enlazar estos dos aspectos (leer y tocar) para que una precaria lectura no sea un lastre para cualquier futuro músico. El presente artículo pretende ayudar en este proceso para instrumentistas de viento.
  Desarrollo
Cuando estudiamos música en un conservatorio o escuela de música, tenemos dos asignaturas como eje principal en las enseñanzas elementales que son lenguaje musical e instrumento. Las materias comunes entre estas asignaturas son:
-Leer y cantar una partitura (ritmo y entonación)
-Análisis musical de la partitura (teoría práctica)
-Audición crítica de lo que escucho y lo que toco (dictado).
Pero aunque sean comunes, en cada asignatura se les da un enfoque diferente y personalizado, en instrumento con una vertiente aplicada al instrumento y en lenguaje musical en una versión más general y común para todos los instrumentos.
Es lógico pensar que la forma que hemos aprendido la mayoría a solfear o leer una partitura no es la mas idónea para nuestra especialidad pero si la mas general, teórica, estándar o genérica cuando en la clase de lenguaje está surtida por diferentes especialidades instrumentales.
Si en clase de instrumento, también solfeamos o leemos, ¿por qué utilizamos esa fórmula genérica en lugar de hacerlo de una forma aplicada a  nuestras necesidades?.
Esto se ve mas evidente cuando nos encontramos con alumnado que a nivel psicomotriz o espacial tienen dificultades al enfrentarse a una partitura. Por regla general podrán tocar muy bien pero cuando tengan una partitura delante tendrán un estrés añadido que les entorpecerá la forma de tocar.

Quejas recurrentes del profesorado de instrumento de viento son:  Toca sin hacer dinámicas ni articulaciones, suena todo plano, cada vez respira en un lugar diferente, coge poco aire, la respiración es tensa, corre en algunos fragmentos, no afinan, no coordinan los dedos, tocan sin aire.  
Los motivos pueden ser variados (limitación técnica, limitación lectora, limitación motriz o limitación coordinación psicomotriz) o solo uno de ellos. Este será el reto del profesorado: descifrar que tipo de dificultad está absorbiendo la concentración o atención del alumnado en detrimento del resto de aspectos técnicos, motrices o musicales.
En primer lugar, vamos a enunciar cuales son las dificultades que entran en conflicto cuando tocamos un instrumento delante de una partitura.
Propios de leer:
1 Lectura de notas (nombre)
2 Altura de notas (entonación)
3 Duración de notas (ritmo)
4 Mantener tempo (pulso)
5 Articulaciones (reconocerlas)
6 Dinámicas (reconocerlas)
7 Agógica (reconocerlas)
8 Donde respirar
Propios de tocar:
9 Cómo respirar
10 Uso aire para cada nota
11 Articulaciones (diferenciarlas aire-lengua)
12 Dinámica (diferenciarlas aire)
13 Agógica (diferenciarlas velocidad-ritmo)

La lectura clásica o solfeo se centra en leer con el nombre de las notas marcando el pulso con la mano dibujando el compás en el aire. Pero en la mayoría de los casos no se tiene en cuenta las articulaciones, dinámicas ni respiraciones. Estos aspectos suelen ser conflictivos en el aprendizaje de un instrumento musical, añadidos a la digitación.

A continuación se muestran algunas alternativas a la lectura tradicional para solventar todas las dificultades propias de la lectura (de 1 a 8) fuera del instrumento para que al coger el instrumento solo nos preocupemos de las dificultades propias de tocar (de 9 a 13):
-Nombre de las notas-articulación: los nombres de do re mi fa sol la si do no tienen ninguna aplicación directa cuando tocamos el instrumento por lo que directamente los podemos sustituir a nombres que nos resulten mas prácticos según la articulación. Por ejemplo: podríamos utilizar las palabras to te ti ta to ta ti to’ para las notas cuando se tenga que usar la lengua mientras que bajo ligaduras podríamos cantar con las vocales o e i a o a i o’. O incluso eliminarlos a cambio de soplar con aire de la forma que tocaríamos el instrumento.
-Altura de las notas: Siempre que leamos una partitura podemos entonarla. Una buena entonación nos ayudará a conseguir una mejor afinación y encontrar mejor el centro del sonido de cada nota. En los primeros cursos no es tan importante una entonación perfecta pero siempre intentando respetar la dirección de la música. Si alguna pieza no somos capaces de cantarla, difícilmente seremos capaces de tocarla.
-Pulso y ritmo: Saber llevar el compás es importante en vista al fraseo y mejorar la musicalidad dentro de cada frase pero en un instrumento no es vital puesto que tenemos las manos ocupadas sosteniendo el instrumento. Por tanto para los que les cueste imaginarse espacialmente el compás y encajar cada nota en cada parte del mismo una alternativa a corto plazo es dejar de marcarlo con la mano. Al tocar tenemos libres las piernas y los pies. Marcar el compás con los pies es la alternativa mas sencilla para entender las rítmicas y ajustar cada nota en su lugar. No es nada recomendable llevar el pulso con un pie, en cambio si lo llevamos alternando los dos será muy difícil que variemos el tempo. En el momento haya un conflicto mental se pararán los dos pies mientras que si solo llevo en pulso con uno, este continuará ante cualquier problemática.
-Dinámicas: Cantar siempre respetando las dinámicas.
-Digitación: Mientras cantamos siempre podemos marcar con una mano la digitación correspondiente a nuestro instrumento.
-Respiración: Aún la respiración no es propiamente música es imprescindible que entendamos que la música empieza antes de la primera respiración. De esta forma cuando cantamos o leemos también debemos de visualizar y poner en valor las respiraciones que posteriormente haremos al tocar.

Una lectura completa intermedia entre el típico solfeo y tocar podría ser:
Opción A: cantar diferenciando articulación, llevando pulsación con los pies, respetando dinámicas, tomando consciencia de las respiraciones y digitando las notas con los dedos.
Opción B: Soplar diferenciando articulación, llevando pulsación con los pies, respetando dinámicas, tomando consciencia de las respiraciones y digitando las notas con los dedos.

De esta forma nuestra lectura previa es mas útil para el estudio del instrumento y con ella podemos solventar dificultades que posteriormente aparecerán cuando vayamos a tocar.

Conclusión
Si antes de tocar con el instrumento, en nuestra cabeza tenemos controlados el máximo de elementos o dificultades que contiene una partitura o pieza y tenemos un control óptimo o coordinación  sobre ellos, tocar cualquier instrumento será mucho mas sencillo. Para nuestro cerebro será una minimización de complicaciones que nos ayudará a poner mas atención en los aspectos técnicos y musicales importantes y no a los propios de una lectura rutinaria.